Muchas veces se ha considerado la empatía como única forma verdadera de voluntad de arte, aunque se ha demostrado que a lo largo de la historia hay muchos ejemplos de creaciones artísticas basadas en la tendencia a la abstracción. Worringer afirma que un sistema estético completo ha de estar integrado por estas dos tendencias, y que solo de la unión de ellas nacerá la auténtica creación artística. En esta primera parte del trabajo nos centraremos en la explicación teórica de estas dos tendencias.

Tendencia a la empatia:

La empatia o proyección sentimental, se basa en la relación existente entre la obra de arte y el observador y encuentra su satisfacción en la belleza de lo orgánico.

Citando a Worringer:" la formula mas sencilla para caracterizar esta forma de la vivencia estética es: "El goce estético es un auto goce objetivado. Gozar estéticamente es gozarme a mí mismo en un objeto sensible diferente de mí, proyectarme a él, penetrar en él con mi sentimiento, este es vida, en un sentido muy general".

Con esto intenta explicar que el observador goza de la obra de arte en el momento en que se proyectaran sus sentimientos sobre ella. La proyección sentimental se puede considerar una forma de voluntad artística " en el único caso de tender esta hacia lo realista-orgánico, es decir hacia el naturalismo, usando esta palabra en su sentido elevado. El sentimiento de felicidad que produce en nosotros la reproducción de la vida orgánicamente hermosa, es una satisfacción de esa interna necesidad de auto actividad que es para Lipps la premisa del proceso de proyección sentimental" afirma Worringer .

Tendencia a la abstracción:

La tendencia a la abstracción se basa en el intento de representar el objeto aislándolo del mundo exterior para liberarlo de su estrecha relación y dependencia de las otras cosas y hacerlo así absoluto. Encuentra su satisfacción en lo inorgánico y cristalino.
Citando a Worringer "Mientras que el afán de proyección sentimental esta condicionado por una venturosa y confiada comunicación panteísta entre el hombre y los fenómenos del mundo circundante, el afán de abstracción es consecuencia de una intensa inquietud interior del hombre ante estos fenómenos, y corresponde, en la esfera religiosa, a un sesgo acusadamente trascendental de todas las representaciones."
La tendencia a la abstracción no consiste en adentrarse en las cosas del mundo exterior, en "gozarse en ellas a sí mismo" sino en desprender cada objeto individual del mundo exterior y aislarlo.
"Su más enérgico afán es arrancar el objeto del mundo exterior, de su nexo natural y acercarlo a su valor absoluto".
Este afán lleva al hombre a interpretar el entorno sustituyéndolo por leyes que anulan su vida auténtica.
Estas leyes se basan en :
-la representación de lo cúbico en impresiones de superficie: el hombre pasa a representar en el plano ya que el espacio en tres dimensiones dificulta especialmente una visión del objeto individualmente. Se pasa a suprimir el espacio ya que este es el que une las cosas, les da su relatividad y no deja individualizar.
-Utilización de formas geométricas puras :De esta manera se consigue la forma absoluta opuesta a la arbitrariedad de lo orgánico.
El hombre distinguirá la línea geométrica del objeto natural porqué ésta habrá sido extraída de su relación con lo natural y del juego de sus fuerzas cambiantes.
- sujeción a las leyes mecánicas y resistentes del material.
Basándonos en estas ideas y leyes, podemos concluir que, La voluntad artística de los pueblos bajo tendencias abstractas, tiene como finalidad "reproducir las cosas exteriores en su clara individualidad material, evitando y suprimiendo todo lo que pudiera enturbiar y debilitar la expresión inmediata de dicha individualidad

Naturalismo y estilo:

Naturalismo:
El naturalismo es el acercamiento a lo orgánico y vitalmente verdadero. No se trata de representar un objeto natural sino de potenciar la belleza de la forma orgánica, por el deseo de satisfacer la sensibilidad rectora de la voluntad artística absoluta.
Podemos decir que el naturalismo tiende a la proyección sentimental ya que la obra de arte representa o satisface las tendencias orgánicas naturales del observador. Le permite fluir libremente, a trabes de la contemplación estética, con el sentimiento vital interno y la necesidad hacia una actividad interna.
Ante el naturalismo, la persona goza de la calma que se produce en ella cuando disfruta de manera imperturbable de su ser puramente orgánico reflejado a través de la obra de arte.

Estilo:
El estilo de una obra de arte es la reproducción del modelo natural en una esfera superior. Es decir, adecuar el modelo de manera que pueda ser trasladado al lenguaje del arte.
La definición de naturalismo responde a que el impulso artístico primordial no tiene nada que ver con la naturaleza. Busca la abstracción pura, única posibilidad de descanso en medio de la confusión y caprichosidad del mundo, y con necesidad instintiva crea desde si mismo la abstracción geométrica.

Parte segunda: ejemplos prácticos

DEMOSTRACIÓN DE LA TEORIA DE LA ABSTRACCIÓN Y LA EMPATÍA (Ejemplos históricos)

Este apartado pretende demostrar mediante algunos ejemplos históricos, la teoría de que toda la historia del arte se puede analizar desde la tendencia hacia una de las dos teorías básicas explicadas en la primera parte del texto; la Abstracción o la Empatía.
Del mismo modo también pretende hacernos entender que en muchas ocasiones no se ha valorado debidamente alguna forma de arte por pertenecer a una de estas tendencias y analizarse según los principios de la otra.
Finalmente se incluyen algunos ejemplos de autores o formas de arte que han intentado hacer confluir, consciente o inconscientemente, estas dos teorías.

Arte ornamental; l'ornament vegetal:
El arte ornamental expresa con claridad la voluntad artística de un pueblo. Ésta provoca que su estilo propio (según sus técnicas y tradiciones) se acabe convirtiendo en un estilo abstracto lineal-inorgánico.
El hombre no transmite al arte el producto vegetal sino su ley de formación. El estilo geométrico lineal reproducirá esta ley formativa del elemento y no mostrará la materia en si misma. Así pues, el ornamento vegetal originariamente no reproduce la planta, sino la ley que la forma externamente.
Este proceso consiste en acercar la naturaleza a un ornamento puro, o sea, un producto abstracto y no a estilizar un objeto natural.
En conclusión, extraemos que lo elemental no es el modelo natural sino la ley que rige su formación.

"En el dibujo de los modelos naturales de un pueblo, nos encontramos con garabatos infantiles y formas muy primarias. No se trata que sus miembros no lo sepan hacer o lo simplifiquen, sino que hay una intención estilística. Esta voluntad es puramente abstracta y por lo tanto se aproxima a lo orgánico como un enturbamiento de esta abstracción intencionada" Conze.

Arquitectura y plastica
Los Griegos son un claro ejemplo de preponderancia de la tendencias orgánicas, tendencias a la empatía, que muy tempranamente fueron substituyendo a las iniciales tendencias a la abstracción , sobretodo del periodo arcaico.
El relieve griego "El relieve griego fue la manifestación primigenia y mas natural de su voluntad artística como pueblo".
Este relieve se basaba en un acercamiento a la representación de la superficie (superficie o plano entendido como representación abstracta de la realidad). Posteriormente este tratamiento de la obra como unidad cerrada va perdiendo fuerza, se introducen sombras y escorzos, aunque permite la tendencia abstracta.
Comparación entre el templo de orden Dórico y el de orden Jónico
Este ejemplo evidencia la rápida transición de las formas abstractas predominantes en el orden Dórico hacia las formas orgánicas ligadas al orden Jónico.
Orden dórico, tendencia a la abstracción, "sujeción a una ley inexpresiva, puramente geométrica o estereométrica , cuyos límites nítidamente perfilados no quiere rebasar. Sus leyes estructurales no son sino las de la materia" "solo en los detalles esta actitud abstracta es relajada por tendencias orgánicas, que ya enuncian la evolución futura (curvaturas)"

Comparación entre el templo de orden Dórico y el de orden Jónico
Este ejemplo evidencia la rápida transición de las formas abstractas predominantes en el orden Dórico hacia las formas orgánicas ligadas al orden Jónico.


Orden dórico, tendencia a la abstracción, "sujeción a una ley inexpresiva, puramente geométrica o estereométrica , cuyos límites nítidamente perfilados no quiere rebasar. Sus leyes estructurales no son sino las de la materia" "solo en los detalles esta actitud abstracta es relajada por tendencias orgánicas, que ya enuncian la evolución futura (curvaturas)"

Representación del "bulto redondo"
"En el gran arte monumental , la exigencia de la representación del bulto redondo se presenta, pues, como un obstáculo con que tropieza la auténtica voluntad artística" (entendiendo siempre esta voluntad artística como voluntad de abstracción). " el genero artístico resultante de esa voluntad primordial, abstracta, es precisamente la representación dentro del plano"
Worringer intenta dejar claro que la representación del bulto redondo no es deliberada, sino que nace de una exigencia exterior, y que es contraria a la voluntad artística del momento (que es la abstracción)
En el arte egipcio también se aprecia un intento de representación abstracta de la realidad. La intención de los egipcios era "transformar la impresión de lo cúbico en una superficie, estructurar la obra plástica de tal manera que la imagen visual brinde al espectador, en lugar de una realidad tridimensional, la ilusión de una representación plana".
Esto se intenta conseguir mediante la utilización de figuras cerradas y sin articulaciones ( no se deben a la falta de dominio de la técnica sino a la voluntad artística).
La Pirámide como realización más típica de las tendencias abstractas.
La pirámide es el ejemplo mas claro del afán de abstracción, ya que cumple muchas de las exigencias básicas de esta tendencia:
- Máxima expresión de la individualidad material y la unidad cerrada.
- Sujeción a una ley estrictamente geométrica.
- Transformación de lo cúbico en impresiones de superficie

Arte Bizantino
El Arte Bizantino está considerado el arte que representa con mayor claridad la voluntad artística del primer milenio de la era cristiana.
El arte bizantino es una fusión del arte Helenístico, el cristiano i el oriental. En la conformación final de esta forma de arte acaban teniendo mayor peso la tendencia a la abstracción (oriental y cristiana) que la tradición helenística a la empatía, aunque ambas se unen formando un nuevo lenguaje mas completo.
Riegl describe los relieves del arco de constantino como poseedores de "una clase de belleza que se expresa en la composición mas estrictamente simétrica y que será lícito llamar belleza cristalina porque constituye la pristina y mas eterna ley formal de la materia inanimada y se acerca mas a la belleza absoluta (individualidad material), que por cierto no existe sino en la idea".
Con estas palabras está describiendo la voluntad de arte del imperio Bizantino como una tendencia a lo absoluto, a la abstracción.


Worringer refleja en sus teorías sobre las formas de arte de los pueblos antiguos una relación directa entre la voluntad de arte de estos y su concepción espiritual o religiosa.
Asocia los conceptos de intramundanalidad (inmanencia) y politeísmo o panteísmo a la voluntad de arte que tiende a la proyección sentimental.
Por el contrario relaciona la supramundanalidad (trascendencia) y el monoteísmo como bases espirituales de la tendencia a la abstracción.

Arte Prerenacentista del norte
El Arte Prerrenacentista del norte, podemos explicar que la influencia que tuvo el arte bizantino tardío sobre este fue considerable. Este arte es considerado en su base, un arte vernáculo, y existe como una creación independiente, a pesar de las influencias griegas y bizantino-orientales.
Para entender la relación con las teorías de la abstracción y empatia, hemos de explicar la voluntad artística de estos pueblos. Esta voluntad se satisface íntegramente dentro de la ornamentación, el predominio en esta ornamentación son las formas geométrico-lineales, con exclusión de todo lo orgánico, por lo que podemos decir que su voluntad artística absoluta es de abstracción.
Esta voluntad artística se explica por la condición del hombre ante la naturaleza, este mantuvo "una relación de inclemencia que impidió que brotara en el hombre aquel seguro instinto sensual que necesita para entregarse a la naturaleza y dio lugar a una intima inarmonía".
A la practica podemos entender que esos "laberínticos trazos geométrico-lineales no se hallaban nunca reducidos solo a la forma abstracta más sencilla, sino que existe en ellos una expresión que rebasa la suprema paz y exclusividad de lo abstracto."
Para demostrarlo, analicemos en la diferencia entre el dibujo lineal egipcio y el ejercicio artístico de los pueblos nórdicos, Woreman explica: "Los motivos animales se enlazan con los motivos de cinta trenzada. Los cuadrúpedos, distendidos violentamente, parecen cintas; Las cabezas de pájaro coronan cuellos largos en forma de cinta, pero sobretodo son las figuras humanas, desfiguradas y retorcidas, las que participan en este torbellino caligráfico." Como en el arte primitivo, estas vistas son o totalmente de frente o totalmente de perfil. Por ejemplo las vestimentas de las figuras se hallan convertidas en rollos de cinta y las facciones en líneas geométricas.
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Arquitectónicamente hablando pondremos explicarlo mediante los estilos románico y gótico. Estos estilos no pueden entenderse como polos opuestos, porque las tendencias que en el gótico tendrán predominio absoluto ya se anunciaban en la arquitectura románica. Así que podemos creer que el estilo románico aparece ya como arte nórdico, ya que su actitud general es abstracta y su relación con el gótico es semejante a la del dórico con el jonico (marca el paso de la tendencia a la abstracción hacia la tendencia a la empatia).
La actitud general rechaza todo afán de proyección sentimental. Se trata de un tipo de construcción algo pesada, sosegada y grave. Por el contrario el pensamiento constructivo gótico es la consumación de esa expresividad intensificada sobre una base inorgánica, "ante una catedral gótica sentimos un fortísimo sentimiento de proyección sentimental ya que este tipo de obra pretende crear en el hombre nórdico un sentimiento de inmensidad y avocación a lo divino". Worringer añade: "En la catedral gótica, la materia no vive sino gracias a sus propias leyes mecánicas, pero estas leyes han cobrado vida , es decir han cobrado expresión. El hombre aplica su facultad de proyección sentimental a valores mecánicos, entonces es cuando estos valores dejan de ser abstracción muerte, sino que se convierten en un viviente movimiento de fuerzas." Y solo este movimiento de fuerzas satisface su necesidad de expresión, intensificada hasta lo patético por su interna inarmonía".

Por ultimo, describiremos lo que fue considerado como línea gótica. Ésta viene directamente determinada por la voluntad artística de la escultura, y más concretamente en los ropajes de estas que se ven dominados por líneas esquinadas y angulosas. Podemos concluir, que la línea dominante del gótico es una línea atenida a su ritmo y a la verticalidad de sus proporciones que acaba desbocando en una línea sosegada, que se acerca a lo orgánico adoptando una movilidad cada vez más rítmica.
Aquí termina el periodo artístico que va desde la ornamentación de los pueblos clásicos hasta el gótico tardío.
"La trayectoria del arte se asocia a una movimiento ondulado que va desde las cismas clásicas, interpretadas como un ensayo, hasta los apogeos que clasifican al arte como un producto de decadencia y degeneración".
"Cada fase estilística representa la respuesta de unas necesidades psíquicas, nunca determinadas por la técnica sino siempre determinadas por la voluntad de arte". Con esto Worringer no niega la evolución en la historia del arte, sino que insiste en la teoría de la evolución del "kunstwollen" o voluntad del arte.

Modernismo
Otro ejemplo destacado de movimiento artístico influido por la tendencia a la empatía es el de las corrientes estilísticas surgidas hacia 1900 en toda Europa, conocidas con el nombre genérico de Modernismo.
El modernismo aparece en un periodo de expansión y de mucha confusión en lo referente al arte. El surgimiento del movimiento es muy rápido, casi tanto como su desaparición: en un corto periodo de tiempo surgen varios movimientos similares en distintos países que obedecen a una misma concepción artística, estos brotes reciben los nombres de Modernismo (en Catalunya), Art Nouveau (en Francia), Liberty ( en Italia), Jugenstill ( en Alemania) y Secessión (en Austria)



Este estilo se simboliza mediante una línea ondulada que relaciona la vida y el arte. El circulo de la vida al arte, también tiene sentido a la inversa, ya que la vida también es consecuencia del arte.
Características básicas del Modernismo:
- Afán de Modernidad
- Énfasis en la fusión de las artes
- Vinculación de las formas artísticas con las formas orgánicas



Henry van de Velde, diseñador y teórico del arte, fue uno de los personajes mas destacados de este periodo de fusión de todas las artes iniciado a finales del s.XIX.
Su obra como arquitecto y diseñador pretendía alcanzar la síntesis de todas las artes ya que estaba fuertemente influenciado por el movimiento Arts and Crafts.
Esto aparece claramente reflejado en el proyecto de su casa en Uccle ( en 1895) donde se encarga de diseñar hasta el último detalle, desde el mobiliario hasta la cubertería o los vestidos de su mujer.
Van de velde emprende, según Kenneth Frampton, una "lucha contra la fealdad", y se centra en el diseño de todos los aspectos del entorno doméstico como primer paso para transformar a la sociedad
A partir de 1890 el pensamiento de Van de Velde estuvo claramente influenciado por T. Lipps y A. Riegl y posteriormente por la Teoría de la Abstracción y la Empatía
De W.Worringer. citando a Frampton "Estas ideas mas o menos vinculadas, que vagamente informaron la obra de Van de Velde después de 1896, encontraron una cierta síntesis en la abstracción y empatía de Wilhelm Worringer, publicada en 1908. Van de Velde estudió en una sola entidad los dos aspectos antagónicos del modelo cultural de Worringer. Por una parte, el impulso hacia la expresión empática de los estados psíquicos vitales, y por otra, la tendencia hacia una consecución de la trascendencia a través de la abstracción. Si bien Van de Velde pugnaba por encontrar una cultura de forma, hepática y vital, no dejaba de comprender la innata tendencia de toda la arquitectura hacia la abstracción".
En la foto se observa con claridad uno de los aspectos característicos de la obra de Van de Velde como son la ondulantes Líneas-Fuerza que se aprecian en el diseño de los vestidos. El movimiento largo y sensual que caracteriza el Modernismo viene representado por cada uno de los pliegues del vestido.


El ideal de todos estos teóricos del arte de ver un mundo liderado por los movimientos Arts and Crafts y Art Nouveau se vio interrumpido a causa de la primera guerra industrializada. Ya no seria posible pensar acerca de una sociedad transformada a través del arte, el diseño industrial y el teatro.

Arte contemporáneo
El arte contemporáneo a dado también varios ejemplos de aplicaciones de las teorías de la abstracción y la empatía.
Uno de los ejemplos mas representativos de arquitectura relacionada con las teorías de Worringer, es el periodo de las prairie houses en la obra de Frank lloyd Wright.
"Las Prairie houses no tienen mucho en común con la obra de de Horta o Van de Velde, pero anticipan y viven en aquella fase lineal geométrica del Art Nouveau que es común con otros arquitectos europeos (Hoffman i Mackintosh."
Estas palabras de R. D Fusco sitúan las Prairie Houses justo entre el art Nouveau y el lenguaje riguroso que las siguió.
En muchas casas de esta época, la decoración y los detalles ornamentales tienden a un Art Nouveau que, "en lugar de hacerse floreal, se traduce en ritmos geométricos perfectamente integrados en el conjunto del organismo arquitectónico"


Por esto podemos decir que esta parte de la obra de wright es una perfecta sintesis de la tendencia a la abstracción y a la empatia.
Wright sustituye el uso de planos por la dinamicidad de los volúmenes que estos determinan y entiende en muchos casos una relación intima entre la arquitectura y el espectador, esto se manifiesta tanto en las obras caracterizadas por el culto a la línea como por el culto al plano. Otro punto en común con las teorías es el cumplimiento de los términos introducidos por Lipps en Raumästhetik, al menos en el acento sobre las líneas horizontales como única línea doméstica y sobretodo la dinámica espacial.

Otro movimiento relacionado con el tema , es el futurismo , que escoge entre las dos tendencias la empatia, declarando así la subjetividad del arte, dirigido este a la importancia de estados de ánimo ante los valores objetivos de la forma.
De manera ejemplar, podemos introducir el escrito por parte de los futuristas en su primera gran exposición:
"nadie se da cuenta de que todos los objetos llamados inanimados revelan, en sus líneas, calma o locura, tristeza o alegría".
Cada objeto revela, por medio de sus líneas, cómo se descompondría según las tendencias de sus fuerzas. Esta descomposición no está guiada por leyes fijas sino que varía según la personalidad característica del objeto, que no es más que la psicología y emoción de quien lo mira.
Si pasamos a considerar el aspecto arquitectónico de su movimiento, es decir loS dibujos y la literatura sobre Antonio Sant'Elia, la relación con la Einfühlung recibe una confirmación y liga la obra de éste con las corrientes más vivas de la arquitectura europea.
Por ultimo, el expresionismo, en su más frecuente acepción de movimiento cultural alemán moderno, está relacionado con el Jugendstil, y por lo tanto está íntimamente ligado a la proyección sentimental. La obra de Edward Munch, auténtica síntesis anticipadora de ambas tendencias, tuvo gran influencia en los países germánicos, comparable a la influencia producida por Gustav klimt sobre la Sezession vienesa. Las primeras experiencias de los mayores pintores expresionistas, desde Kirchner a Kandinsky, se desarrollan todas ellas en el ámbito del Jugendstíl, cuya nota peculiar es la de un expresionismo simbolista.
Existe cierta relación entre de la teoría de la abtracción y empatia y el expresionismo cinematográfico alemán. Este cine no es sino una especie de retorno tardío de esta cesura a los signos de las catástrofes vividas por la humanidad, produciendo así una búsqueda de la realidad verdadera por parte del espectador. Surge una relación entre este y la película, entre el hombre y la realidad.
Algunos ejemplos son películas como " Das Kabinett de doctor Caligari de Robert Wiene" o "Metropolis" de Fritz Lang.
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Otros ejemplos directos de la continuidad de esta teoría hasta nuestros días, podemos citar a Mark Rothko y Adolph Golttlieb, ambos representantes del movimiento expresionista abstractos de los años 60' en los EUA:
"Ningún conjunto de notas puede explicar nuestros cuadros. La explicación surge de la experiencia consumada entre el cuadro y el observador. La apreciación del arte es un autentico matrimonio entre dos mentes. Y en arte, como en el matrimonio, la no consumación puede ser causa de anulación."
Con esta afirmación esta verificando la teoría de que el entendimiento de una obra de arte se consuma en el dialogo entre la obra misma y el observador, y este dialogo ha de ser un dialogo continuado, no puede realizarse una investigación mínima y creer que con eso ya entenderás y apreciaras el arte.

Bibliografia
- Wilhelm Worringer, Abstraktion und Einfühlung
- Kenneth Frampton, Historia critica de la arquitectura moderna
- Renato DE FUSCO, La idea de arquitectura Historia de la crítica desde Viollet-le-Duc a Persico (1968), Barcelona, Gustavo Gili, 1976.